eventos

Visualeyez
Edmonton, Canadá,
Del 19 al 29 de mayo de 2006
Curador Todd Janes

www.latitude53.org

INFORME: VISUALEYEZ, EDMONTON, CANADÁ, 2006

por Clemente Padín

Edmonton es una ciudad tranquila y acogedora, la más importante al Noroeste del Canadá. Disfruta de veranos calientes y secos e inviernos largos y fríos. Con un millón de habitantes, Edmonton es la sexta ciudad más grande del Canadá. En razón de sus múltiples atractivos se la conoce como la "Ciudad Festiva" en razón de sus más de 30 eventos internacionales incluyendo Congresos, Encuentros y Festivales de todo tipo y, además, poseer uno de los Mall Shopping más grande del mundo que incluye playa tropical con toboganes y olas para surfear, campo de golf y lago con piratas y submarinos para la imaginación y el beneplácito de los niños.

En el marco de ese ambiente tan propicio para el arte y la cultura se realiza Visualeyez 2006, el único festival de performance que se realiza en Edmonton desde hace 7 años, confrontando a artistas nacionales e internacionales en esta controversial forma de arte contemporáneo, la performance. Curado por Todd Janes, Visualeyez 2006 se basa este año en el tema de “domesticidad”, es decir, todo lo que puede generar la vida dentro del hogar, el “domus”. Doce artistas canadienses y de otros países se reunieron en Edmonton, Canadá, durante 10 días a explorar este tema a través de sus proyectos, obras e intervenciones: Sarada Rauch, Neufus Ramirez-Figueroa, Suzanne Caines, Vida Simon, Zoe Kreye, Tanya Lukin-Linklater, Margaret Dragu, el grupo One Night Alone (Tanis Keiner, Blair Fornwald, Felipe Diaz y Anna Scott) y Clemente Padín.

Fundado en 1973 por un colectivo de artistas de Edmonton, Latitude 53 es un centro cultural sin propósitos comerciales. Fundamentalmente ofrece un ambiente no-coercitivo que asegura la libertad del artista y ofrece, al público, un acceso directo a las formas expresivas del nuevo arte. Por ello apoya la investigación y el desarrollo de nuevas prácticas artísticas y conceptos y alienta la experimentación con programas previamente establecidos. El Instituto edita la revista trimestral “fifty3” sobre arte y cultura visual. La revista, de fuerte contenido crítico y formal, se concentra en los problemas canadienses y, sobre todo, en los concernientes a las comunidades próximas a Edmonton.

Sobre todo su propósito es alentar los esfuerzos por construir una base sólida de difusión y creación artística contemporánea, impulsar el desarrollo experimental cultural y estimular el diálogo dentro de la comunidad del arte, tanto nacional como internacional. Se estimula el diálogo interdisciplinario sobre el arte contemporáneo a la vez que se organizan exhibiciones, crítica y proyectos con una política de la exhibición no-discriminatoria que, además, remunera a los artistas por su servicio a la comunidad. Asimismo impulsa proyectos de todo tipo, desde exhibiciones específicas hasta performances, conferencias, conciertos de música, exhibiciones de cine y video, lecturas y recitales de poesía, libros de artistas y cualquier trabajo de arte de naturaleza experimental, espontáneo o no. Las autoridades del Instituto son: Todd Janes, director ejecutivo; Laura Kozak, programadora oficial y coordinadora de fifty3 Magazine y Lisa Tougas, Norman Omoth y Jessica Tse, como asistentes.

Todd Janes es el curador, cultural y crítico con un énfasis muy fuerte en cultura pop y teorías artísticas singulares. Performer de gran actividad en escena y muy inclinado a valerse de la palabra hablada, sus últimos proyectos se han enfocado en la “domesticidad”, neologismo por “doméstico” que intenta expresar todo lo concerniente a la vida en el hogar. Por más de 10 años ha sido director ejecutivo de Latitude 53 Contemporary Visual Culture en donde ha sido un factor de desarrollo y crecimiento de la cultura local con programas como la revista fifty3 y Visualeyez, el único festival anual de arte de la acción en Canadá.

Artistas Participantes

Margaret Dragu está celebrando su tercera década como performer. Ha presentado sus trabajos en galerías, museos, teatros, clubes nocturnos, librerías, universidades y sitios específicos como avenidas y calles, jardines botánicos, paradas de ómnibus, etc., a lo largo y ancho de Canadá, las costas este y oeste de los Estados Unidos y en Europa Occidental. Margaret también es cineasta, videísta, escritora, coreógrafa, entrenadora de la actitud personal y una fanática de la limpieza muy conocida en el ambiente performancero. La obra que presentó en el evento se llamó: Cleaning and Loving (Limpieza y Amor) y versó, de acuerdo a la acostumbrada temática que desarrolla, sobre la compulsión por la limpieza y el orden siendo asistida por Todd Janes. También se exhibieron dos videos documentales, Cleaning and Loving y More Cleaning and Loving sobre anteriores trabajos de Dragu realizados en la Bienal Fado de Toronto, filmados por el conocido artista y promotor canadiense de la performance, Paul Couillard. Lo destacable del trabajo de Margaret Dragu es la participación del público en una suerte de desfile celebratorio de la limpieza y el aseo con el cual concluye la acción.

Naufus Ramírez-Figueroa realiza instalaciones artísticas y performances. Desde 1998 se ha presentado y expuesto en centros culturales canadienses y galerías públicas de Centroamérica. Nacido en Guatemala durante los años más violentos de guerra civil, Ramírez-Figueroa intenta explorar y expresar la naturaleza de aquella traumática experiencia. Sus temas involucran al individuo y a la sociedad en la construcción de la responsabilidad social por la historia que contribuyen a forjar. Naufus Ramírez-Figueroa ha egresado del Instituto Emily Carr y ha sido apoyado por Rebecca Belmore en las áreas de escultura e instalación. Sus performances recientes son: "El Sol se tuerce en el Cielo”; “Mi Padre se Tira Encima de Mis Hombros" en el festival FADO de Toronto, "Color es Vacío" en la Vancouver Art Gallery y "La Vida en su Boca, la Muerte se Acuna en sus Brazos" en el Western Front. En Visualeyez 2006 presentó “Mariachi Histrionics”, una performance duracional de 3 horas en la cual explora la relación que tuvo con su padre, un mariachi (un cantante popular). Un cuestionamiento acervo sobre los prejuicios de género en el hogar, los roles de dominio, los estereotipos (mujer=cocina/hombre=trabajo), las relaciones padre/hijo y las exageraciones de la masculinidad, el machismo, etc.

One Night Only es un colectivo de arte de Regina integrado por Tanis Keiner, Blair Fornwald, Felipe Diaz y Anna Scott cuya obra examina las concomitancias sociales y políticas del lugar en donde trabaja. Actuando con espíritu cooperativo cada uno acciona individualmente creando, entre sí, curiosas interacciones. Elementos temáticos compartidos y la proximidad física forjan la acción grupal y la ambigüedad de sentido que han caracterizado su obra. Se han presentado por todo Canadá, en el Vancouver's LIVE festival (2003), Neutral Ground Artist-Run Centre en Regina (2003 y 2004), en Fado Performance in Toronto (2004), Struts Gallery in Sackville, NB (2004), el Mountain: Standard Time festival en Calgary (2005), y en la Universidad de Regina como parte de su Fine Arts Subscription Series (2006). Tierra del Neutral que Artist-Run Centra en Regina (2003 y 2004), Fado Ejecución en Toronto (2004), Galería de los Pavoneos en Sackville, NB (2004), la Montaña: Fiesta del Time normal en Calgary (2005), y en la Universidad de Regina (2006). En el evento presentaron “The Houseguest Project” (El Proyecto Huésped) para el cual crearon un sitio específico, el hogar de alguien, que ofició como instalación cum performance. Lo increíble fue que, el público, sin quererlo, hubo de sumarse a la acción con su comportamiento habitual y cuidadoso de la “reglas que se suponen existen en toda casa”, tanto escritas como tácitas. Uno, como espectador, no espera realmente sentirse “en la casa de alguien” pero, igualmente, los demás esperan una conducta adecuada a la condición de huésped, sabedor de las posibles molestias que ocasionamos con nuestra sola presencia. Trabajando en los parámetros establecidos, el colectivo, exploró las relaciones público/privado, la comunicación verbal/no verbal, la política en la esfera doméstica y la negociación de los espacios personales entre los dueños de casa y los huéspedes.

Sarada Rauch “Mi objetivo es construir de objetos comunes y acciones ordinarias. La falta de constancia en la identidad le interesa porque su propósito es enfatizar las consecuencias como contemplación de lo efímero. Mi trabajo se yuxtapone entre un evento y su sutil consecuencia poética. Memorias y Nostalgia son recuerdos por experiencias que nos definen; experiencias que nos rozan. La identidad es contextual y fugaz; qué es lo “izquierdo” de nuestras acciones, las ideas y los objetos llegan a ser símbolos del efímero. También me intereso en la poesía creada con la reconstrucción de las consecuencias de la destrucción y erosión. Mientras el centro de mi centro del trabajo es teórico, mi proceso y ejecución son intuitivos. La técnica formal ha sido siempre una gran parte de mi trabajo. Investigo la materia hasta que la teoría es inherente en mis opciones formales. Los pedazos que voy creando están orientados temporalmente y la música y como su teoría son influencias importantes en mi práctica.” Sarada Rauch recibió su título en New Genres en el San Francisco Art Institute. Ha realizado performances y expuesto internacionalmente en la Demarco Arthouse en Escocia, The Museum of Tolerance and the Brewery en Los Angeles, Denkmalschmiede Höfgen cerca de Leipzig, Galapagos Artspace en Brooklyn y el RISD Museum en Providence. Ha compuesto instalaciones sonoras para coreógrafos y es co-fundadora del grupo de performance Piltdown Man and Lucy y graba bajo el seudónimo de Chicaloca. Habitualmente vive entre Brooklyn y Leipzig. En su presentación armó un caracol gigante, con la ayuda del origami y una lona de 4 x 4, a la cual llama “Domiporta”, con la cual se puso para salir, protegida, a las sombras de la noche.

Vida Simon ha presentado su trabajo en una gama amplia de contextos-galerías, festivales de performances, residencias y proyectos en espacios públicos y privados, en Canadá, así como en México, Italia, y Finlandia. Sus obras combinan dibujo, escritura, manualidades, sonido y movimiento, y usualmente asumen la forma de instalaciones o performances. Colaboración y talleres son también parte integral de su práctica. Vive en Montreal. En sus palabras, “el meollo de mi trabajo es una aproximación improvisada a los actos de escrutar, desplegar/excavar y encarnar En tanto mi trabajo se basa en lo visual, intento crear situaciones que resisten la objetualización de la representación, induciendo la participación del espectador, obscureciendo lo visible o revelando procesos que normalmente permanecen `detrás de la escena´. El dibujo `en vivo´ a menudo juega un papel central en mis performances y con este acto espero amplificar y deshacer gestos que resuenan simbólicamente en mí.” Vida presentó su obra Escape, performance duracional, en el cuarto de un hotel de Edmonton, durante varias horas por día durante 5 días consecutivos. A la manera de Jackson Pollock
no sabemos si está realizando una performance o si está dibujando realmente. ¿Se expresa a través del dibujo o a través del movimiento de su cuerpo? Sin duda una obra que cuestiona los límites de sus propias formas expresivas y pone en entredicho los conceptos vigentes y aceptados en este difícil género de la actividad artística.

Suzanne Caine recibió su bachillerato en la Fine Arts del Nova Scotia College of Art and Design en 1993 y, como Bachiller en Educación en 1999, graduándose con distinciones. Recientemente culminó su Doctorado de Bellas Artes en el Chelsea College del London Institute. Ha expuesto tanto colectiva como individualmente a través del Canadá e, internacionalmente, en The Nunnery Gallery, London, Inglaterra, Transmediale 2006, Berlin, Alemania y VertexList Gallery en Brooklyn, New York. Caines, también, ha recibido varios premios del Canada Council Grants y Nova Scotia Arts Grants. Su trabajo se enfoca en los problemas sociales urticantes de la sociedad y lo que ello significa para la comunidad. Escuchémosla: “Recientemente he creado lo que llamo situaciones activadas para mis performances. Esto involucra proyectos en el dominio público que cuestiona los hábitos y las conductas y opiniones de individuos y sociedad en general. Mis proyectos intentan una ruptura en el flujo de eventos cotidianos que fuerzan a los espectadores a reconsiderar su comprensión de las cosas y a aceptar nuevos códigos de conducta, sistemas de valores y condicionamientos sociales. Estos proyectos centran sobre una forma de transacción o intercambio. Estos proyectos se planifican como una forma de transacción o intercambio.”

Caines presentó, en Visualeyez, su trabajo Relocation (Reubicación) en lugares públicos, una suerte de encuesta en donde se interpela a los transeúntes con preguntas del tipo de: ¿De dónde es Usted? ¿Cuándo se mudó? ¿Qué es lo que más extraña de su lugar de origen? Describa el lugar. ¿Cómo o con qué lo reemplaza en Edmonton? La documentación de este estudio, una vez finalizada la experiencia, se realizó en Latitudes 53. Relocation trata de la necesidad de contactos del ser humano en la sociedad contemporánea y qué nuevas dimensiones se lograrían con esos contactos en vista de la pérdida de las conexiones familiares tradicionales en la sociedad presente y que han sido reemplazadas con familias ficticias, el trabajo y el consumismo.

Tanya Lukin Linklater es una bailarina emergente, coreógrafa y performer radicada en Edmonton. Se formó con Georgina Martinez y Muriel Miguel del The Banff Center for the Arts. En la Stanford University crea, dirige y realiza performances con mujeres nativas en Night Wind Women, una obra poética que recibió el premio Louis Sudler del Creative and Performing Arts. En 2005 vuelve a su hogar en la isla Kodiak, Alaska para realizar Imam Sua, una danza convocando la historia de Alutiiq, el espíritu femenino del océano. En sus palabras: “Trabajo dentro de múltiples disciplinas y tradiciones de baile tratando de crear nuevas maneras interpretar conceptos indígenas como memoria, oralidad y reracionamiento. También intento responderme estas preguntas: qué clase de cuentos difundimos? Pueblos nativos cuya existencia se enmarca en discursos antropológicos y políticos artificiales que no colman las necesidades en tanto comunidades vivas, dinámica de las cosas humanas en una relación ética con un universo vivo. Tal vez, retornando a nuestros mitos a través de la performance, nuestras comunidades se renovarían.”

Tanya presentó la performance Woman and Water. Las nativas limpian y enmarcan un espacio con mantas, cintas y telas, creando un nido, en tanto los niños juegan a su alrededor. Una mujer emerge del nido y entra al agua donde baila para recordar a su abuela, una mujer nacida en las Islas Aleutianas, en los confines de Alaska. El acto de recordar a su abuela y las viejas historias le llevan a cruzar la frontera imaginaria entre la tierra y el agua. Finalmente ella obsequia a los testigos de este proceso con cintas y regalos simbólicos.

Zoe Kreye es un artista interesada en explorar y generar relaciones sociales en la comunidad a través de la performance relacional, instalaciones, esculturas y dibujo. Es oriunda de la Costa Este de Canadá y, usualmente, vive y trabaja en Montreal. En sus palabras: “El centro de mi práctica artística es hacer conexiones genuinas con la gente. Mi trabajo es interactivo: me interesan más los participantes que los espectadores. En estas colaboraciones hay una intimidad por la que me esfuerzo en lograr en donde el arte y la vida diaria se pueden combinar armoniosamente la función comunitaria y las difíciles interacciones personales. En la obra que presentó, Dedicated to you (Dedicado a Usted), invitaba al público a sostener reuniones sociales del tipo “desayuno de trabajo” para examinar, en forma conjunta, los problemas e inquietudes que podrían aquejar al eventual interlocutor.

Clemente Padín presentó su performance Latin Lover (Amante Latino), una reelaboración creativa de viejos materiales que va realizando con las variantes que el medio, tanto social como físico, le imponen. La presentación se divide en tres partes que incluye una zona mágica y ritual en donde el performer se mueve en la frontera sinuosa de la vida y la muerte, una zona de catarsis en donde se cuestionan los estereotipos de la relación Norte–Sur y una zona de purificación. Oigámosle: “En las performances, que realizo desde 1970, espero expresar mi ser, mis preocupaciones y mis esperanzas. En tanto miembro de una comunidad y de una cultura determinada no puedo dejar de expresar, aunque quiera lo contrario, los contenidos propios de esa unidad inconsútil. En mis obras pretendo glorificar nuestro ser y nuestro mundo poniendo en evidencia lo mejor de nuestra existencia pero, para ello, debo poner en evidencia todo aquello que hace imposible aquella aspiración. Es decir, expresar no sólo lo bueno y maravilloso de la vida sino, también, denunciar todo aquello que vaya contra ella: la injusticia, la arbitrariedad, el ultraje, la infamia y todas aquellas iniquidades que pudiera asumir lo que connotamos como ´inmoralidad`. Por ello, mi obra, no sólo las performances, asumen un carácter de reivindicación, de reclamo, de política en el buen sentido, tratando de influir, en lo posible, en la restitución de la justicia y la dignidad.”

Doing Domesticidad (Lo Doméstico), fue el tema del encuentro y, como tal, se le discutió en un panel o mesa redonda entre todos los asistentes, performers y público. La discusión se centró en las relaciones humanas en el seno del hogar y fue dirigido por Todd Janes, el Martes 23 en la sala de Latitude 53. Alrededor de 35 personas se reunieron a conversar durante más de dos horas sobre espacio público/privado, opresión del hogar, economía familiar, animales domésticos, control del espacio hogareño, los transeúntes, el espacio y el cuidado de los animales domésticos y algunos otros asuntos relacionados con la vida familiar.

Visualeyez fue una experiencia enriquecedora en donde se pudieron confrontar extraños y contrapuestos puntos de vista en relación no sólo a la performance sino, también, en relación al arte, la cultura, la política, las relaciones humanas y otros interesantes temas. Lamentablemente, como ocurre en muchos otros lugares, la novedad del medio (la performance) o la falta de una adecuada promoción o, tal vez, una incorrecta inserción de la institución en el medio social impidieron una mayor asistencia de espectadores. Sin embargo sirvió para poder apreciar el rango de las preocupaciones de los artistas metropolitanos, los artistas del primer mundo. Por lo menos en este ámbito, éstas se centran en los problemas personales o de pareja o, como lo deja entrever el tema central de Visualeyez, la familia, el hogar. Apenas si encontramos algunos puntos de contacto con nuestra problemática tercermundista en la obra de Tanya Lukin Linklater, la performer con ancestros esquimales, tal vez en razón de la constante aculturización que ha sufrido su pueblo desde que fuera “civilizado”. Con Neufus Ramirez-Figueroa, el performer con antecesores centroamericanos, fue imposible encontrar puntos comunes en virtud de su extremada transculturización: su trabajo se centró en la naturaleza de las relaciones con su padre sin anclaje en la realidad político-social de su país de origen, tanto inmediata como lejana. Tal vez se pudiera decir que estaba metaforizando a la patria a través de la imagen de su padre pero, en todo caso, la relación era de rechazo. Queda para el mejor recuerdo la peripecia de Vida Simon encerrada en el cuarto de hotel, dibujando sus angustias y el milagro del colectivo One Night Only al lograr el compromiso y la participación del público sin plantearlo ni solicitarlo, a pura fuerza de entorno (o escena?).