Hasta el 7 de enero de 2007, las salas del CAAM de Las Palmas de Gran Canaria presentan la exposición SWITCH ON THE POWER! Ruido y políticas musicales, muestra que reúne a una serie de artistas procedentes del mundo del arte y de la música que comparten estrategias performativas y estéticas. A través de piezas y/o documentos videográficos, esta exposición pone de relieve y a la vez profundiza en las interacciones que surgen entre estas disciplinas artísticas. El título de la muestra —Switch on the Power!— juega con la polisemia de la frase en inglés (conecta la corriente/activa el poder), y alude al espíritu de inmediatez y autonomía que con frecuencia ha caracterizado estos movimientos musicales y artísticos. El subtítulo —Ruido y Políticas Musicales— incide en el carácter subversivo de estas prácticas, en el ruido entendido como elemento perturbador que se introduce en un sistema con la pretensión de modific! arlo, y en la necesidad de contemplar esas prácticas como políticas que presentan estructuras y lenguajes propios.

Tras su paso por las salas del Marco, Switch on the Power se exhibirá en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas y en el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria.

Artista estadounidense. Su obra se desarrolla sin privilegiar un estilo en particular; juega con el arte conceptual y en particular con el body art , tras haber atravesado una fase de funk art. Su obra trata sobre una reflexión del comportamiento del cuerpo, siendo el arte el proceso de una experiencia vivida en el presente por el artista, el espectador o por un tercero. Desde 1966 emplea con regularidad el neón, como contrapunto lingüístico a las piezas escultóricas, y entre 1968 y 1971 crea "environments" que proyectan sobre una pantalla la imagen de los que participan.
Muntadas, Antoni
Barcelona, 1942

Artista experimental. Estudia Ingeniería Industrial en Barcelona. En 1964 participa en la fundación del grupo Machines. Aunque sus comienzos se vinculan a la pintura, desde 1971 se dedica a los nuevos soportes multimedia y audiovisuales. En 1997 completa su formación en el Center for Advanced Visual Studies del Massachusetts Institute of Technology donde, más tarde, impartirá una serie de cursos, además de en otros centros y universidades americanas y europeas. Establece su residencia en Nueva York en 1974 y centra su trabajo en las relaciones entre el arte y la vida y utiliza fundamentalmente la televisión como soporte. En sus instalaciones suele yuxtaponer fragmentos de telediarios o de símbolos, o proyecta diapositivas de anuncios publicitarios sobre una televisión apagada (Televisión, 1980) y también, con frecuencia, confronta imágenes de la alta cultura con la baja cultura mezclando imágenes de museos y centros comerciales.

Beuys, Joseph
Krefeld, 1921 - Düsseldorf, 1986
Escultor alemán. Personaje complejo y fuera de la norma; él mismo se define como escultor. Con diecisiete años es reclutado por las juventudes hitlerianas y más tarde como piloto de bombardero de la Lutwaffe; es destinado al frente ruso hasta que en 1943 se estrella en Crimea, donde una tribu de tártaros lo recoge y lo salva utilizando para ello el fieltro y la grasa (dos materiales que utilizará muy a menudo en sus creaciones). Al acabar la guerra estudia en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf de la que más tarde será profesor de escultura, desde donde ejerce una poderosa influencia. Sus experiencias le llevan a crear una concepción chamánica de su labor como artista. La herida y la curacion como vías de conocimiento y de liberación, junto a presupuestos ecologistas serán los temas fundamentales en su obra. En los años cincuenta realiza una obra llena de crudeza y tosquedad acentuada por la utilización de madera mal cortada, metales calcinados, toda clase de basuras, materiales de desecho, etc. Es entonces cuando comienza a hacer sus característicos dibujos, grabados y acuarelas de factura rápida en donde ya surge su particular universo: ciervos, renos, osos y otros animales más difíciles de identificar. En torno a 1960 sus piezas quedan definidas por la utilización de materiales como el cobre, la madera, el fieltro, la grasa, el hueso, etc, en una dialéctica que se articula entre lo rígido y lo maleable, lo preciso y lo flexible, lo didáctico y lo espontáneo. Atraído por el movimiento Fluxus, Beuys desarrolla una obra enormemente compleja de marcado carácter conceptual cuyos numerosos "performances" y "happenings", realizados entre 1963 y 1974, ejercerán una influencia decisiva sobre el arte occidental producido en los últimos veinticinco años. Por su impacto hay que destacar entre todos ellos: El silencio de Marcel Duchamp está sobrestimado, El jefe, Cómo explicar un cuadro a una liebre muerta, Eurasia, Celtic (1970-71), o la que realiza en 1974 en la inauguración de la Galería René Block de Nueva York, donde se encierra durante una semana junto a un coyote. Sus creaciones se presentan en las más importantes exposiciones internacionales, como la "Bienal de Venecia" de 1976, la "Bienal de Sâo Paulo" de 1979 y en varias ediciones de la "Documenta" de Kassel.

Bourgeois, Louise
París, 1911
Escultora estadounidense de origen francés. Independiente e inclasificable, el trabajo inteligente, solitario y callado de la escultora Louise Bourgeois ha tenido que esperar hasta bien entrados los años ochenta para ser reconocido como uno de los mejores y más reveladores del siglo XX. En 1935 se licencia en Geometría y Matemáticas en la Sorbona, después estudia en la Academia de Bellas Artes y en la École du Louvre, además de asistir al Atelier Bissière, Académie Julian, la grande Chaumier y al taller de Fernad Léger en París. En 1938 conoce a Robert Goldwater, profesor de arte norteamericano, con el que se casa y se traslada a vivir a Nueva York, donde continúa su formación en la Art Students League y en 1949 decide dedicarse por completo a la escultura. Sus primeras obras acusan la influencia del surrealismo, unas piezas antropomórficas de madera de formas monolíticas o bien apilamientos de fragmentos sostenidos por un eje metálico, aislados o agrupados. Sus obras crecen en tamaño y dan lugar a una serie de pilares altos y esbeltos que agrupados como si fuesen una especie de bosque rodean al espectador. Desde los años sesenta su trabajo se hace esencialmente autobiográfico y se construye con las obsesiones y los recuerdos de su infancia, de heridas que nunca terminan por cerrarse insistiendo una y otra vez sobre el carácter irreductible de la existencia humana. Así su trabajo, que cada vez con mayor frecuencia se adentra en el campo de la instalación, se llena de símbolos que terminan convertidos en arquetipos: la araña (Spider), figura de la madre, que era restauradora de tapices; el cuerpo masculino fragmentado, alusión directa a su padre, que le era infiel a su madre, al que alude en la cueva instalación iluminada en rojo ( Destruction of the father, 1974); las mujeres-casa, imagen de la condición y los papeles asignados social y culturalmente a la mujer; las grandes celdas y las guaridas habitables, como son las series "Cells" y "Lairs", lugares de la intimidad, donde conviven el tormento y la dicha; referencias, explicitas o ambiguas, a vaginas, pechos, corazones que Bourgeois convierte con sus manos en exvotos y fósiles antropomórficos.

Cuentos del sonido
“ Laurie Anderson. The record of the time”, Düsseldorf, hasta el 19/10/03

En HUM, Massimo Bartolini hace uso de uno de los elementos más presentes en su trabajo: el sonido. A través de la creación de dos nuevas piezas sonoras basadas en la idea de la grabación y adaptadas específicamente a las salas de la primera planta del MARCO, Bartolini transforma el espacio expositivo de forma sorprendente e inesperada, creando una atmósfera de íntima belleza animada solamente por la presencia incorpórea de la voz: una voz sin cuerpo que, desprotegida del ego de la presencia del artista, halla ahora su último significado en la presencia y en la interpretación de la audiencia. En esta ocasión, las obras que se presentan están centradas en una de las más brillantes y enigmáticas figuras de la música de los últimos siglos, Glenn Gould, con ocasión del Homenaje presentado por la Academia de Santa Cecilia en Roma, dentro de las celebraciones dedicadas al artista cuando se cumplen ochenta anos de su nacimiento (1932) y treinta de su muerte (1982).

Con esta exposición, el MARCO de Vigo da un paso más en su línea de proyectos expositivos relacionados con el arte sonoro y con artistas que trabajan con el sonido. Un interés que ha tenido su reflejo en propuestas como ‘La exposición invisible’ (2006), ‘Escoitar.org’ (2007), o ‘Loreto Martínez Troncoso’ (2011), además de la presencia de obras sonoras en muchos otros proyectos y muestras colectivas de producción propia.

HUM, de Massimo Bartolini (Cecina, Italia, 1962) es una muestra comisariada por Anna Cestelli Guidi y producida por la Fondazione Musica per Roma, en el contexto de un programa expositivo dedicado al arte sonoro. La exposición de Bartolini rinde homenaje al músico canadiense Glenn Gould (1932-1982), e incluye dos instalaciones sonoras —HUM, y Singing North— construidas a partir de dos piezas de Gould: las vocalizaciones o tarareos [humming] del músico canadiense en su segunda grabación de las Variaciones Goldberg de Bach (1981); y el texto radiofónico The Idea of North (1967), un programa de entrevistas producido por Gould sobre el concepto geográfico —y filosófico— del norte.

En el caso de Vigo, la muestra incluye un nuevo trabajo realizado específicamente para el MARCO: la performance Lettura, que consiste en la lectura en voz alta de la famosa novela El malogrado, que Thomas Bernhard dedicó a Gould tras su muerte. El conjunto se completa con Phonology of noise: the voice as sound object, retransmisión desde la web de Radical Matters - Editions/Label series, de una selección de obras de artistas que han experimentado con la voz desde finales de los años setenta.