David G. Torres (Crítico de Lapiz y comisario de exposiciones)
Joan Casellas (artista performer y gestor cultural)
Claudia Gianetti (comisaria y directora de Arte Electrónico y Diseño Digital en ESDI)

David G. Torres

Doux es una palabra que me sirve para pensar, es de origen francés y significa blando, también dulce, suave, pero de una manera muy personal se opera una especie de contradicción con esta palabra, porque en francés significa blando y en catalán significa duro. La mera pronunciación de la palabra produce una especie de contradicción. Doux viene a significar que es blando en apariencia pero de origen duro.

Publicaron un artículo en Art-tres que se titulaba tomados brandos, es una expresión taurina que podemos interpretar que se refiere a un torero cobarde que no se atreve a torear y porque está la palabra brandos, porque también se refiere al momento que el torero entra a matar y le introduce la espada y le va directa al corazón, en esa expresión hay una efectividad en lo que aparentemente denuncia con la máxima dureza de su significado real.

Pero la pregunta es, que tiene que ver todos estos significados con arte y en concreto con acción, y es que en realidad doux es una palabra que sirve para pensar posibles actitudes frente al trabajo, son actitudes que no pueden ser de fuerza sino que son actitudes de resistencia, de trabajo de fe y de complejidad.

De entrada doux surge de pensar en negativo, es una mecánica intelectual, últimamente para poder expresar un poco la forma en la que pensamos los sujetos las ideas o los conceptos utilizan una imagen que es la de la pompa de jabón, cuando nosotros creemos tener una pompa de jabón delante de nosotros lo que hacemos es rodear las manos alrededor de ella y la pompa permanece delante, entonces la única forma de poder hablar de esa cruz es en un crece de caminos de manera contradictoria, por ello en lugar de hablar de doux lo que quiero es plantear una serie de elementos cruzados. El primero de los argumentos es de Catherine Miyet, reflexionaba sobre la postmodernidad para ella sus explicaciones eran distintas a las que estamos acostumbrados, ella decía que la postmodernidad no coincidía exactamente con el fin de la modernidad de las vanguardias, sino precisamente con el éxito de las vanguardias, con el momento en que las vanguardias y el arte moderno ha sido un boom, ella hablaba literalmente del cumplimiento de la modernidad, este cumplimiento ella lo representaba de la siguiente manera uno de los senderos del arte de las vanguardias y de la modernidad era conseguir la unión entre arte y vida ella consideraba que esta unión en gran medida sería que el arte ocupa un espacio cada vez mas presente en las ciudades, los artistas exponen en estaciones de metro, en pancartas en la calle, en escaparates de tiendas y en la medida que el arte es cada vez atiende a un público mas amplio, el público está cada vez mas abierto a la sensibilidad a ser capaz de apreciar las formas del arte moderno, por otra parte las vanguardias mas combativas han sido sumidas per el mecenazgo público, por la institución.

Catherine Millet decía que si Mondrian levantara la cabeza se encontraría con su paraíso y tal vez lo que estamos viviendo es el paraíso utópico de las vanguardias, lo que ella constataba es que las vanguardias o el arte moderno, el éxito, el transformador del arte moderno significaba su fracaso artístico y eso era porque quizás la sociedad post-industrial ha sido capaz de asumirlo, pero también hay un fracaso político, aquellas obras que han tomado una actitud política también manifiestan su fracaso.

Félix González Torres en un número dedicado a arte y política, decía precisamente esas obras que transforman las situaciones sociales económicas y políticas en una ecuación simplista oponiendo el bien al mal pretenden admitir nuestra verdad, podremos escoger alegremente el bien y así el mundo será más bello y más sereno.

A la conclusión que podríamos llegar es que no podemos ser políticos bajo el riesgo de caer en el mismo codo que aquello que pretendemos, todo parece conducirnos a un fracaso del arte.

En un artículo de la revista Creación que se titulaba mas allá del artista de vanguardia comentaba también de este fracaso, decía que el artista moderno partía de la premisa que el mundo nunca es suficientemente bueno a partir de esa idea decía que se habían formado dos modelos de artistas por un lado el artista personalista, encontramos por ejemplo Van Goog , para el artista personalista el arte es la actividad que puede asegurar la salvación del yo, alienado de la sociedad etc. el arte es su lugar de sacrificio personal un lugar que nos puede llevar a una libertad personal, en el lado opuesto se habla del artista reeducador y ponía por ejemplo máximo a Joseph Beuys que también entendía el arte como un sacrificio que podía asegurar la salvación del mundo, la conclusión era muy sencilla , el mundo sigue sin ser suficientemente bueno, evidentemente Van Goog no se salvó a sí mismo.

Son modelos de artistas geniales y románticos, es quizás el momento de encontrar artistas que saben que el mundo no es lo suficientemente bueno, el peligro es quizás se nos encamina al conformismo No podemos ser políticos bajo el riesgo de caer en las mismas trampas políticas, no podemos ser geniales bajo el riesgo de caer en el fracaso, pero quizás el argumento está equivocado porque no se trata de fracaso como de que perdimos la inocencia en algún lugar de que ya no somos ingenuos. El único antónimo que se me ocurre la palabra blanco frente a la radicalidad, y se puede entender que todo ese discurso es un discurso fatalista, sin embargo creo que existe esa actitud que de alguna manera es grata que existe una actitud que consiste en saber nadar y guardar la ropa.

Para acabar voy a poner dos ejemplos de dos artistas en los cuales se puede prever esa actitud blanca el primero es Brus Neuman en 1968 cuando acababa de llegar a San Francisco y había alquilado su taller encima de una antigua tienda de ultramarinos había una gran cristalera y se veían los antiguos neones de la tienda de ultramarinos, de esos neones el artista diría que serian el origen para hacer su obras, El artista decide no pintar nada pero sume que es un artista y empieza a filmarse en posiciones de una pared y en el suelo, mas tarde pasea en una moto gradual que consistía en dar res pasos a la derecha y luego a la izquierda al final avanza tres posiciones la obra parece bastante ridícula sin duda tiene una cierta característica blanda es una obra con cierto sentido del humor tal lo que está pensando el artista en ese momento es que el arte es lago muy serio y posiblemente la vida también y por ello es preciso reírse de algo, de hecho hay un neón que es de las obras que mas me interesan de Brus Neuman que dice el verdadero artista revela verdades místicas y comenta cada vez que leo esa frase pienso que es estúpida, que es tonta, pero cada vez que la leo no puedo evitar pensar que es verdad.

La siguiente obra que quería hablar es de un artista de Barcelona, de Antonio Ortega, el artista hace un año reunió una serie de amigos artistas y que además tienen un especial interés por su obra, los reunió un viernes media hora antes que cerrasen las taquillas de las quinielas, los reunió y trajo consigo los resultados del fútbol, sobre como iba la liga son quienes son los mejores goleadores y entre todos ellos hicieron una quiniela y diferentes cómics para cada uno de ellos, al final Antonio firmó cada una de las quinielas y les dio el dinero para ir a sellarlas y les dijo tenéis dos opciones, sellar las quinielas y la posibilidad de hacerse millonario o guardarla y tener un auténtico Antonio Ortega, de todos ellos solo uno lo guardó, lo que hacía esta obras evidentemente es poner en duda nuestra fe en el arte fundamentalmente en aquellas personas que se dedican al arte, que constantemente están hablando de arte conceptual de aptitudes, que hacen peregrinación, se está poniendo en juego esa fe en el arte.

Finalmente hay un detalle que no he contado de la obra , actualmente cuando se sellan las papeletas de las quinielas no es como antes que quedan modificadas por el sello, sino que se expende otro vale que es el que realmente sirve para cobrar, es decir en la papeleta no hay ninguna diferencia, de todas las personas que participaron no había ninguna diferencia entre todas las papeletas, pero solo uno sabe que esto es un Antonio Ortega.

Presentación

Yo también agregaría un último detalle a la exposición de David G. Torres, y es que Antonio Ortega es básicamente lo que podríamos entender como un artista objetual, su intervención da muchas pistas de cual es el sentido del artículo que publicó David G. Torres en la revista Lápiz, en lo que se ha referido que hay una vivencia oculta del performer.

Joan Casellas

Voy a presentar una sinopsis de dos artículos que publiqué el año pasado aparentemente muy diferentes pero que tienen una conexión y esta conexión es la práctica de la acción, uno es el ya evolucionado de caminos como las estructuras en el arte como Revolución y otro la aproximación a la idea de documento original y copia son dos territorios diferentes pero tienen su conexión, primero os hablaré de una propuesta de caminos, una idea Kantiana más o menos en los años 30, aunque yo considero que este concepto de los años treinta, de aquello que no se puede fijar, es una idea que domina en el arte prácticamente desde el principio, desde bajar una escalera , de ralentizar el tiempo no de acelerarlo, pasando por la transparencia del vidrio , o sean tenían un interés en el espacio, en el vacío, en el no acelerar, es decir en descifrar esas cosas que casi no eran, eso es una constante en su trabajo, a mi me ha servido de metáfora para intentar explicar la actitud, evidentemente la acción en genérico. A mi de todas formas me gustaría efectuar un cambio de terminología y dejar de lado el concepto de caminos y pasar a otro que lo substituye y es el concepto minimedia este concepto lo propongo desde una contraposición y a la vez de una continuidad de otros conceptos anteriores.

El primero sería intermedia le seguiría el concepto multimedia y luego de un concepto que se habla que es hipermedia de estos tres conceptos, el trabajo mediático o físico del artista llega a pensar en minimedia tal vez porque es un corte que plantea la cuestión no solamente desde los recursos materiales o bien mediáticos, sino desde la actitud de la importancia de la complejidad, pienso que en el arte moderno una de las búsquedas mas intensas ha sido la desmaterialización, no desde una perspectiva radical de eliminar el material sino de quitarle la importancia que se le dio en otros siglos. Es decir de eliminar el material como elemento determinado en el sentido de material rico, material lujoso, desde un principio el collage ya es una desvalorización del material, es una manera de mezclar cosas antagónicas y contradictorias.

Después pasamos a Duchamp y a todos los objetos del surrealismo, tiene la importancia material que hay que intentar focalizarla con la propuesta artística , a la mitad del siglo tenemos el arte del cólera, que es un ejemplo bastante claro de esta desmaterialización, después en el arte conceptual, hemos visto que eliminar el material es una cosa muy compleja, todos estos esfuerzos que creo que son muy visibles en los movimientos artísticos del siglo y sobre todo a partir de los años 50 el arte tiende a hipermaterializarse y esto es claramente por motivos socioeconómicos por que casi nunca se habla de la posición socioeconómica del artista, parece ser que el artista moderno del siglo XX actúa por razones diversas que pueden ser experimentales o condicionadas por los medios que dispone, pero nunca se habla que necesariamente tiene que estar condicionada su posición por sus intereses de búsqueda o por la situación que podríamos llamar laboral.

Es decir el artista se relaciona socioeconómicamente con su contexto y en relación a esta manera de relacionarse desarrolla unos intereses u otros, esto no se ha discutido mucho ya que parece que el artista a partir del siglo XX queda totalmente liberado de las obligaciones monográficas y documentalistas y solamente tiene la obligación de ser genial. En realidad no es así, lo que le pasa es que se le cancela el contrato fijo que tenía se le pasa a autónomo, trabaja por encargos si se le hacen encargos tendrá éxito y si no, no tendrá éxito.

En esta dirección creo que como catalán ha pasado a ser una cuestión puramente cultural pero que se ha derivado mucho hacia la cuestión del espectáculo y de muestra impactante, a pesar de que no haya ningún encargo del artista, la verdad es que si existe este encargo, no es como en el siglo pasado en que en un momento determinado o de una propaganda específica sino que se trata de llenar expectativas visuales y de impacto público y esto es como se ha desarrollado el arte en la última mitad del siglo cada vez mas aparatosa, mas luminosa mas expresiva, paralelamente a todo esto conectándose con la propuesta inicial esta voluntad de quitar importancia material, los gestos de acción no tienen importancia y esto desde un principio desde los pluralistas hasta ahora, siempre ha sido una cuestión de época los pluralistas decían una cosa y los otros otra,.

Como que Agamben ha demostrado mucho una cosa muy sólida en los que ha sido la institución museo, y como el museo también sigue en principio unos esquemas privados a otras culturas de nueva táctica, a nuevas lecturas, a otras propuestas tal vez por eso se ha llegado a finales de siglo a esta cuestión de archivo, es de una magnitud de importancia y de saber público.

Luego la otra cuestión de documento, de original y copia desde un punto de vista parte de la circunstancia de que hay una constancia de que existen copias y originales en todas las épocas, pero tal vez nunca tan remarcadamente como en el siglo XX, la idea de lo que es original y lo que es copia, esto tiene dos razones de ser una podrá ser técnica o sea nunca como en el siglo XX se ha tenido la capacidad específica tan determinante de producir copias tan claramente reproducidas de los originales, eso ha sido un error de la cuestión técnica, se ha disparado esta diferencia y por lo tanto tenemos mas conciencia de lo que puede ser una copia y de lo que es un original, pero también hay otra razón que es socioeconómica , es decir, teniendo en cuenta que la obligación del artista moderno en principio, no está muy bien ligada al encargo monumentalista sino que se queda limitado a su original, desde este punto de vista, la lectura de lo que es original y lo que es copia también se ha diferenciado mucho, curiosamente pienso que con esto de copia y original en realidad mas que una cosa física es una cosa sociológica y psicológica, es mas, mi propuesta es que todo lo otro es básicamente un documento que de alguna manera es siempre una copia de algún documento anterior, pero que en realidad, tiene el efecto de original, pero no se puede desligar de las dos circunstancias.

Pongo por ejemplo la famosa publicación de Picabia del año 1916 en la que salía por primera vez publicada la famosa manipulación de Duchamp de la postal de la Gioconda, uno estaba en New York y el otro estaba en París y hablaron por teléfono y Picabia le dijo te publicaré esto y efectivamente la obra que se publicó en 1916 no es de la mano de Duchamp sino que es de Picabia. Este ejemplar que ya procedía de una copia de una copia, con el tiempo se podría decir que tiene la categoría de original, esto no deja de ser un anécdota pero que ilustra esta particularidad en lo que yo veo como original y copia y que creo que está más en el terreno psicológico y sociológico que no físico.

Como entra la acción en todo esto, creo que entra bastante directamente porque la acción o dentro de algún tipo de acción a tocado la cuestión de la inmediatez, de la presencia y de la normalidad de las cosas de una forma mas radical que otras propuestas artísticas aunque hay muchas maneras de entender la acción. Un tipo de acción minimalista y que rehusa la espectacularidad. De todas formas también hemos visto que de forma indirecta o directa la acción que en principio basa su propuesta en la referencia directa e irrepetible, todo acto es irrepetible en la vida y va avanzando de forma imparable , a pesar de esta base bastante importante, ya sea por defecto , es decir por los momentos que indirectamente han prohibo a otros que han servido a estas acciones como a los mismos artistas que de forma voluntaria se han encargado que estos momentos se produjeran o que se han producido a posteriori con una voluntad de victoria y gráfica, demuestran que tal vez lo importante de estas cuestiones no es tanto la cuestión física, ni la cuestión de si es original o si es copia sino de como se encuentra una vía para transmitir una propuesta y como esta presencia material actúa como documento para llegar a alguna cuestión a una propuesta interior y así es tala como yo lo veo.

Para terminar quería hablar de un artista que presenté en la primera parte del taller, ya que pienso que es un artista que reúne muchas características de las que hablo se trata de Nieves Correa es un artista que se dedica a la acción, un tipo de acción que definiría como mímica o minimedia, ya que es lo que pasa en los grupos de trabajo mas mininal y mas próximos, al principio de estas cuestiones, se hablaba de grupos minimalistas, en esta definición el minimalismo como movimiento específico y sobre todo en USA tiene una carga demasiado específica y que no acaba de encajar con mi propuesta ya que los minimalistas históricos a partir de consideraciones muy llanas de evitar el contenido de buscar la minimateria acaban siendo muy maximalistas incluso antes a pesar de que la propuesta no era así, ya que eran mas metafísicas sus macro presentaciones.

Por lo tanto, del minimalismo estructurado, intentaré identificarlo hablando de Correa de una acción que hizo aquí en Barcelona hace un año, y además me sirve para decir que un documento no solo es una poesía o un vídeo si no que es una forma de transmitir una cuestión a otra persona, también puedo decir una idea o un pensamiento a otra persona, el documento puede ser hablado, explicado y eso no nos quita importancia de la cualidad explicativa.

La acción que hizo Correa es que vino para un concierto en autobús, vino a la ciudad y las dos tres horas que le quedaban estuvo visitando la ciudad, todo eso lo iba grabando a una cinta cassette cuando llego a la sala se sentó en suelo y se preparó un bocadillo de pan con tomate y jamón y cuando terminó se ató una cinta con la bandera catalana y se estiró encima una mesa del local, previamente explicó que pondría un cassette que había gravado mientras visitaba la ciudad, la duración del la cinta fue de media hora y mientas ella seguía estirada sobre la mesa, una vez terminado el cassette nos explicó que por la noche se iba a Madrid en autobús y que el bocadillo que se había hecho se lo comería en el viaje. Pienso que esto es tan intuitivo de una artística de minimedia en muchas direcciones no solamente explicables y muy sencillas sino que eran directamente no residuales, todo y que la audición del cassette era bastante barroca la propuesta de ella era muy minimalista en la forma.

Claudia Giannetti

Creo que para llegar al “concepto de metaformance” es necesario hacer un pequeño repaso en lo que ha sido el concepto de performance, happening, ritual, etc., justamente para dejar claro cuales son los pasos que cambian y que relacionan una cosa y otra.

Para mi hay dos temas bastante claves que son el de la documentación y el tema de la puesta en acción, que es el ejemplo de Brus Neuman, en esta exposición juntados de esta manera uno queda supeditado al otro. El tema de la documentación ha pasado lo mismo, yo diría que hay los tres niveles, un nivel es el tema de la documentación, y por lo tanto es el que se produce aquí en el MACBA, por ejemplo para mi hay una obra muy específica esla caja con la basura de Joseph Beuys, vista aquí de esta manera, diseñada dentro de esta caja, en esta exposición. Simplemente este es para mi el nivel de la documentación.

El segundo nivel sería el de la puesta en acción tenemos una exposición que vemos una serie de videos, hay que remarcar que hay una dificultad tremenda para verlos, están colocados de una manera que te impide la visión pero en todo caso esto seria la documentación como puesta en acción y de esta amanera como se da a entender todo el contexto del desarrollo del vídeo arte, todos los experimentos que se estaban haciendo y a parte de esto todo lo que filmo antes con el cine experimental al aislarlo en otro contexto, fuera de contexto, justamente en el tema de performance y de esta acción vídeo, como se da a entender todo el contexto del vídeo arte, todos los experimentos que se estaban haciendo y a parte de esto todo lo que vino antes, con el cine experimental al alistar el programa en un texto fuera de contexto. En esta exposición de vídeo arte, para mi le faltan todas las referencias de los años 60 y 70 , que llevaron a los artistas a este tipo de acción, en este tipo de performance, nadie habla de la guerra del Vietnam, nadie habla de feminismo de una unificación mas profunda de todas las mujeres que están aquí como documento.

Yo empezaría por el tema del contexto que necesariamente tiene que ver por la situación de espacio nuclear para mi a partir de aquí es donde se debería entender toda esta relación que sale, esto de aquí sería el sujeto, esto sería la cúpula y esto es lo que sería el concepto de mujer, estos tres elementos sería el proceso de creación artística, acaban resultando lo que podría ser una piña, utilizados en dos situaciones, por ejemplo podemos ver varios posicionamientos del cuerpo como objeto o como instrumento poco vulgar, por lo tanto aquí veremos como una situación mas bien formal, mientras que aquí aun mas conceptual, creo que esta unión siempre se trata de una interrelación, por lo tanto hay una separación entre comillas, salen lo que tanto se habla de seguir esta relación entre arte y vida, por lo tanto aquí salen los rituales, los performers, las acciones etc. esos como elementos generadores de contenido, eso significa en un contexto, esta relación arte y vida no se pueden devolver, y esto para mi es un concepto básico desde lo que sería este espécimen del cuerpo.

Aquí teníamos un cambio, mientras antes teníamos la idea del sujeto ahora tenemos una idea del usuario si antes hablábamos de una vida perf y a parte de eso este concepto del sujeto ha sido siempre la base de toda la estética clásica y moderna y continua siendo de una cierta manera una parte importante de la estética con la cual se está trabajando en substitución de este concepto de verdad, trabajaríamos con el concepto de construcción y en lugar del concepto de realidad trabajaríamos con otro concepto que sería justamente esta realidad impotencia y que podríamos llamar virtualidad.

Por la parte de aquí la visión que nos queda clara es que el resultado de esto no es una materia o no es el cuerpo como objeto sino que se trata de una representación de una
re-presentación y aquí es donde nos aparece la idea de contexto justamente porque a partir de este proceso es el proceso que nos permite generar nuevos contextos, generar una nueva idea de espacio y una nueva idea de tiempo, un espacio virtual, un espacio material y un tiempo que pasa de ser el tiempo de la realidad a un tiempo de la simulación o a un tiempo de la simultaneidad.

Dentro de este contexto por lo tanto tendríamos dos vertientes uno seria el sistema natural, un sistema orgánico, y otro seria el sistema “TEBOR” y por lo tanto es el intento de interrelaciones entre estos dos sistemas donde sale la base de lo que seria para mi el pensamiento mas contemporáneo, que sería la interrelación entre el ser humano y la máquina.

Esto tampoco es una idea nueva, ya aparece en los años 40, es la teoría que tendrá mas influencia no solo en el campo de la ciencia, de la física o de las matemáticas, sino en el campo de las llamadas humanidades.

Es dentro de este contexto, de esta relación ser humano máquina, donde nace la metaformance, por lo tanto la metaformance nace de esta búsqueda de la relación entre el ser humano y las nuevas tecnologías, nace de este intento de utilizar nuevos sistemas como puede ser la robótica, los sistemas de inteligencia artificial, los sistemas de realidad virtual, etc., sobretodo los sistemas interactivos, donde existe una conexión directa entre el cuerpo y lo que sería la simulación, la máquina etc. Y que permiten un tercer nivel que para mí es.

Unos de los niveles mas importantes de la metaformance y es esta nueva visión del observador, el observador que pasa a ser usuario, y aquí empieza la no escisión entre lo que sería un usuario, la posición de artista y la posición de público, yo creo que esto para mi es el punto mas interesante para la metaformance, una vez que el público y el artista se mezclan y sobre todo no hay mas una distinción clara en este contexto y, ¿esto cómo se consigue? Se consigue a través de sistemas interactivos y sobre todo de sistemas que utilizan, no el software elemental, sino con un sistema mas avanzado, por ejemplo la inteligencia artificial, que si posibilitan la comunicación entre la magia y el espectador, transformado en usuario, por lo tanto dar la posibilidad al usuario de transformar la obra y de transformándose así mismo en artista.

Esto es justamente la utilización de una serie de interfaces, un brazo robótico, en este caso es una interface en la pantalla y esta es la pantalla, y es justamente a través de esta pantalla que el publico de cualquier parte del mundo le puede mover ahí de la manera que se esta moviendo, entonces el usuario a través de Internet y a través de esta interface, está conectada con todos los miembros de su cuerpo y además con el brazo robótico que lo puede mover a distancia , entonces esto es un poco la idea de Sterlac, la idea de un cuerpo que sí existe, está presente, pero totalmente virtual en la medida en que su presencia y su movimiento se hace a través de un espacio completamente virtual que es el espacio técnico . Yo creo que es un buen ejemplo…