artículo

Santiago Sierra en Hamburgo,
artículo de Alberto Caballero

Deichtorhallen Hamburg
Hamburgo, Alemania
7 de septiembre 2013-14 de enero 2014
www.deichtorhallen.de

nota de prensa
La retrospectiva del Deichtorhallen se realiza en colaboración con la Kunsthalle Tübingen, en la colección de Falkenberg, de la obra escultórica, fotográfica y cinematográfica del artista español Santiago Sierra (nacido en 1966 en Madrid). La exposición ha sido comisariada por Dirk Luckow e incluye más de 70 obras.
Sierra es conocido mundialmente por sus provocadoras actuaciones. No hay un artista europeo, cuyos trabajos provoquen más oposición, se centra fundamentalmente en la violencia estructural de los sistemas políticos y económicos. Por su trabajo “250 line cm tatuada sobre seis personas pagadas” seis jóvenes cubanos cobraron $ 30, dejando una línea continua tatuado en la espalda. En el 2003 tuvo la entrada del Pabellón Español de la Bienal de Venecia tapiada a excepción de una pequeña abertura y concedió entrada sólo a los titulares de pasaportes españoles. En una acción muy controversial en Alemania, se dirigió en una sinagoga en un coche de escape Stommeln y lo convirtió en una cámara de la muerte. En otras acciones similares por una pequeña tarifa pequeña por hora, encierro a las personas en cajas de cartón, o enfrentadas a una pared en derrocamiento o masturbarse en público.

Sierra se enfrenta al espectador con una realidad externa, en la que la explotación económica, los bajos salarios, la auto-prostitución o la represión del pasado en la agenda: “Mi trabajo se pone del lado de las vidas arruinadas por el capitalismo. Y el capitalismo es para mí la marca económica de sadismo.” Sierra conduce con su arte un ataque no sólo contra la injusta distribución de la riqueza y las condiciones inhumanas de trabajo, es una critica, en las sociedades capitalistas a una imagen positiva del trabajo. El lujo no está presente en sus obras , pero en estas sus declaracionaes hay en realidad un marcado contraste con la abstracción minimalista y la reducción que caracteriza a gran parte de su trabajo formal. El artista español admite con esta declaración tener como un objetivo prioritario al minimalismo en sus obras, la exposición de Deichtorhallen en la colección de Falkenberg en Harburg resalta estas cualidades formales de sus obras. Se exponen esculturas y fotografías, obras cinematográficas, instalaciones y objetos. La exposición se complementa con un “memorabilie”: una habitación donde pueden verse carteles, tarjetas de invitación, documentos, así como los bocetos para las acciones y las estructuras de más de dos décadas de trabajos.

El trabajo de Sierra se caracteriza por mostrarnos ‘instrucciones’ que aparecen claramente, esto comienza con la documentación fotográfica o cinematográfica que es sin duda una fotografía y una cinematografía real. De gran formato, fotografías en blanco y negro, a menudo granulada, documentan sus actuaciones generalmente públicas. Con artistas como Joseph Beuys, Richard Serra y Franz Erhard Walther, Sierra también combina la estética escultórica.

Existe una estrecha relación entre Santiago Sierra y la ciudad de Hamburgo. No sólo importantes obras fotográficas de Sierra están en la posesión de la colección Falkenberg, sino sobre todo de su tiempo en la Academia de Bellas Artes. Sierra asistió a principios de 1990 a las clases de Franz Erhard Walther, Bernhard Blume y Stanley Brouwn. Estas son sus raíces artísticas. “Lo que quiere decir la Capilla Sixtina para otros artistas, fue para Santiago Sierra el puerto de Hamburgo”, dice Dirk Luckow, Director de la Deichtorhallen. Por primera vez, aquí están expuestas las primeras fotografías de Sierra de los días de Hamburgo (escombros y cenizas vertederos). Las esculturas tempranas que trabaja Sierra, surgieron en parte, durante sus estudios en Hamburgo, se documentaron fotográficamente, por ejemplo, cubos minimalistas de lonas de camión reconstruidos para esta ocasión o su sensacional contribución en la Bienal de Venecia Sierras 2003, esta concienciación se ha incrementado enormemente. Como uno de los artistas más reconocidos de España en 2010 se le otorga el Premio Nacional de Artes Plásticas a lo que Sierra se negó y dijo que no sería explotado por el Estado. Esta es la paradoja más importante de la exposición.

Revista ABCD nº 991, 03 de Junio de 2006
Santiago Sierra: Radical es el que dice “id a por ese”
Por Javier Díaz-Guardiola.
en PDF

Colección Falkenberg

Las actividades artísticas del coleccionista Harald Falkenberg han ayudado a dar forma al ambiente de arte contemporáneo en Hamburgo de manera significativa en los últimos 15 años. La colección Falkenberg se encuentra desde 2001 en las Salas de Phoenix en Hamburgo-Harburg, 2007 adquirió Harald Falkenberg del edificio y está reconstruido por el arquitecto berlinés Roger Bundschuh a un espacio de exhibición para su colección. Desde su apertura en mayo de 2008, 28 exposiciones con artistas como Paul Thek, Jon Kessler y Robert Wilson, se mostró allí hasta 2010, sino también exposiciones temáticas y presentación de colecciones. Las amplias habitaciones nos permiten presentar grandes instalaciones y proyectos multimedia de artistas como John Bock, Idea General, Thomas Hirschhorn, Mike Kelley, Jon Kessler, Jonathan Meese y Gregor Schneider. Desde enero de 2011, la colección de Falkenberg es una de las Deichtorhallen.

Harald Falckenberg - Tendencias del Mercado del Arte – Yumpu mozilla, hay varias paginas
https://www.yumpu.com/es/document/view/6737465/harald-falckenberg-tendencias-del-mercado-del-arte
Harald Falckenberg - Tendencias del Mercado del Arte Read more about arte, obras, ... Universidad de Málaga Departamento de Historia del Arte Tesis .

Private Collection [2013] - Paris Photo Grand Palais
www.parisphoto.com/paris/.../private-collection?

The collection of Harald Falckenberg comprises over 2000 works
of contemporary art which are shown – as part of the prestigious exhibition house ...
La Coleccion Falckenberg
www.sammlung-falckenberg.de

Ante estas notas de prensa, se nos ocurren dos grandes cuestiones: 1.interrogarnos, investigar, acerca del ‘arte de acción’, como reaccionan los artistas ante ‘el derrumbe’ de la sociedad que les toca vivir y 2.como participa el mercado y en este caso las galerías, los coleccionistas y las fundaciones, ante la falta de reacción de los entes públicos, ‘las entidades como administradoras de lo público’. No pretendo por tiempo y lugar hacer un trabajo exhaustivo al respecto, solo señalar algunas líneas, información, opiniones al respecto, para que sean útiles a futuros trabajos.

El arte de la reacción
Ubicación
El arte implica una acción, pero una cosa diferente es la acción como arte (action art), la acción como arte puede o no dejar un resto, no lo llamaría producto, ya que no se puede prever el resultado de dicha acción. En la mayoría de los casos pueden ser marcas, señales, en el paisaje urbano y porque no últimamente en el paisaje natural: bosque, rio, etc.

Con el cambio del modelo de sociedad, con la globalización o sociedad financiera, estas reacciones particulares de los artistas se han transformado en reacciones o podemos llamar manifestaciones masivas, que también dejan un resto, contenedores, cabinas telefónicas, coches, autobuses, etc. volcados, incendiados, quemados, etc. También dejan marcas, carteles, pancartas, comunicaciones pegadas en contenedores, arboles, cabinas, escaparates, muros, etc.

Siempre se ha tratado de acciones fuera de las entidades, públicas o privadas, o sea en la calle, en los bulevares, en las plazas, en explanadas delante de entidades públicas contra quienes se manifiestan, de nuevo se trata del enfrentamiento de lo público y lo privado (desde Roma, la Edad Media, con las repúblicas en el renacimiento, entre la iglesia y el estado, etc.etc.), por la administración que hace lo público (el estado) de lo privado (el interés de los ciudadanos), o en sentido contrario como el ciudadano al administrar sus intereses no tiene en cuenta los intereses del estado, en el cual vive. Como lo privado se hace público, como lo público se hace privado. (libro haneke). No voy a entrar en los distintos modelos de gestión entre lo público (como administra las propiedades del estado, que son de los ciudadanos: territorio, bienes escuelas, hospitales, etc.) y lo privado (parte de sus beneficios deben ir al estado para que este los administre), cuando estos valores, estos límites no son claros, se producen enfrentamientos, roces, revueltas, revoluciones, incluso hasta guerras.

Es aquí que podemos hablar, no de la acción en el arte (Ives Klein, Los Accionistas Vieneses, Jackon Pollock, etc.) sino del arte como reacción, los artistas también reaccionan ante estos mecanismos, ante estos procesos, ante estos cambios, y lo hacen de manera particular, cada uno a su manera. Lo que sí debemos tener en cuenta una cuestión fundamental que la caída de ‘la representación’, del arte de la representación (aparado que representa ‘al mundo’ desde el siglo XV, el renacimiento) tiene su correspondencia en lo socio-político, también se trata de la caída de la representación, los representantes ya no representan a los ciudadanos, las ciudades han dejado de ser un lugar propicio para los ciudadanos, y los representantes de los ciudadanos ya no son escuchados por los entes públicos. Todavía no se ha medido las consecuencias de dicha catástrofe. Los historiadores puedes alegar que esto ya se ha repetido en el curso de la historia (occidental), es cierto son ejemplos Alejandro Magno, y la caída de la Grecia clásica, por la magno Grecia, la caída de la república romana y el imperio de Julio Cesar, ya conocemos las consecuencias, los restos no solo materiales que dichos procesos han dejado a la historia de occidente, y no sólo de occidente.

Del sujeto. ¿Qué le ha pasado al sujeto con estos cambios? Las opiniones son muy diversas, lo que se mantiene es que el sujeto es uno de los grandes aportes (conceptuales) de los siglos XIX y XX, podríamos extendernos a lo que se llamo ‘el humanismo’, proceso que todavía no se ha estudiado suficientemente, de la misma manera que todavía no se puede pensar (por reciente) las consecuencias de la caída del sujeto desde los años 50 hasta ahora: el holocausto, la bomba atómica, las tiranías militares en América latina, los sistemas comunistas en Rusia y China, las guerras en oriente medio y próximo, etc. Hemos bombardeado al sujeto. De pronto en los medios de comunicación ya no se habla más de humanidad, modernidad, incluso de postmodernidad. El cambio científico ha transformado al sujeto, en objeto de investigación, el cambio económico lo ha transformado en objeto de consumo, en ambos casos en información, estadísticas, datos.

La materia y el resto
INSTALAR LOS ESCOMBROS/SANTIAGO SIERRA

Mas allá de las ideologías, mas allá de los discursos, mas allá de las formas e incluso de las ideas, esta la materia, el arte sobre todo es el tratamiento de la materia, incluso tratar ‘al cuerpo’, al cuerpo de los animales, al cuerpo de los humanos como materia, yendo más allá diríamos ‘como cosa’. Cuando han caído las ideas, porque no decir los ideales, cuando han caido las estructuras, cuando han caído las formas, todos procesos que han ocupado el siglo XX, han quedado la abstracción, la instalación, el ensamblaje, el tratamiento de la materia. Qué diferencia, en este punto, al artesano del artista, su identidad, su cometido: el alfarero, el herrero, el carpintero, y porque no al obrero, al albañil, al yesero, al cristalero, etc. etc.

En ambos procesos hay tres etapas: la materia, la formalización, el resto. Si anulamos la formalización....dándole valor de terceridad, nos quedamos con la materia y su resto. Dar forma a la materia, moldes, soportes, encofrados, por un lado....y por otro los restos de dicho proceso, o el derrumbe de dichas formalizaciones.

Ya no se trata de la búsqueda de la forma (desde el cubismo hasta ahora) y no me refiero solo a la forma humana, sino también a la forma de los objetos y a la forma de los espacios. No es que el artista haya perdido la forma como objetivo, es la forma que ha perdido al artista. La forma ya no representa al sujeto, al sujeto de la modernidad (desde Leonardo hasta ahora), con esta caída imaginaria, el sujeto se ha quedado solo con la materia, se trata del retorno de La Cosa. Se trata del exterminio del sujeto, de la aniquilación de su contexto, se trata del Gran Derrumbe. Luego de Auschwitz e Hiroshima....Nada nos sorprende. Insisto solo queda la materia, el resto, el detrito y ‘la letra’.

La Cosa no diferencia el sujeto y el objeto, La Cosa no diferencia la imagen de la letra, de allí el enorme valor de ‘la instalación’, el artista luego de pasar por el territorio de La Cosa necesita ‘instalar’, con los escombros, con los derrumbes, con los restos, los detritos, las cenizas, para dejar testimonio de dicho transito. Muchos de ellos dicen ‘se han perdido los derechos’ podemos agregar ‘se ha perdido la voz’, sin voz ni derechos, solo queda el aliento, la materia: sostener, aguantar, soportar, apoyar...a veces se transforma en grito (el caso de Artaud, de Bacon, de Lynch) a veces solo llega a marca (Lygia Clark, Ana Mendieta y luego Regina José Galindo), marca en el cuerpo, marca en el territorio, marca en el muro.

La caída de la representación ha dejado un resto, la acción, la acción de contener, la acción de soportar, la acción de transportar, la acción de colgar, etc. al final la acción de instalar.

Grupo Escombros/La Plata, Argentina
> ver
De sus manifiestos rescatamos:
“ La tortura rompe el cuerpo; la explotación irracional de la naturaleza rompe el equilibrio ecológico; la desocupación, el hambre y la imposibilidad de progresar, rompen la voluntad de vivir, el miedo a la libertad rompe la posibilidad de cambio; el escepticismo rompe la fe en el futuro; la indiferencia de los poderosos rompe la dignidad de los que no lo son; el individualismo salvaje rompe todo proyecto de unidad. En esta sociedad despedazada nace la estética de lo roto: Escombros. Primer Manifiesto 1989”

+Retrospectivas desde 2006- 2007...

“ La conquista de América Latina no terminó. Cambiaron los nombres de los conquistadores, sus caras y su lenguaje. Los métodos y los objetivos continúan siendo los mismos. Siguen desembarcando (ayer en carabelas, hoy en jets) para cambiar espejitos y cuentas de colores por auténticas riquezas. Las nuevas baratijas son las sobras de su tecnología. Esos objetos que nos venden en nombre del progreso pero cuyo único objetivo es volvernos más dependientes. Tecnología que compramos al precio de una deuda externa impagable y que debemos volver a venderles a un precio irrisorio, porque no la podemos mantener.

La Argentina de hoy es el espejo más nítido en el que América Latina puede ver reflejada esta tragedia. Con esto no estamos diciendo que debemos volver a la pluma de ganso, la rueca y la tracción a sangre. Decimos que los gobernantes latinoamericanos, corrompidos por la ilusión del Primer Mundo, establecen con Él relaciones injustas. En nombre del poder y la riqueza nos condenan a la impotencia y la pobreza. (Todo proyecto político-económico que no tiene el respaldo de un código moral, está destinado de antemano a la corrupción y el fracaso).

Escombros, fiel a su consigna de que la obra de arte revela lo que el poder oculta y dice lo que la sociedad calla, señala este hecho. En “Proyecto para el desarrollo de los países bananeros según las grandes potencias”, lo hace a través del humor: esa forma sutil, dolorosa, de la conciencia.”

Arcimboldo Galería de Arte
Buenos Aires, Argentina
directora y curadora Pelusa Borthwick

Estos son buenos ejemplos para demostrar que hemos ido a parar de lo público a lo privado, de los museos públicos a los coleccionistas. Los coleccionistas exponen obras consideradas como ‘arte público’, ‘arte de la calle’ o ‘arte de acción’. O al contrario los museos públicos exponen obras de colecciones privadas como es el caso de la Colección Patricia Phelps de Cisneros (de arte latinoamericano) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
¿ Dónde ha ido a parar el museo público para todos, la universidad para todos, el hospital para todos? A manos privadas y pasa lo mismo con el arte....a manos privadas quiere decir al mercado del arte. Y es el propio artista que cae en este decalage sin solución. Ahora es el coleccionista que habla ‘del discurso del arte’ y el artista que habla ‘del discurso del capital’, se han intercambiado los discursos, como si se pudiera.

2 notas de Rosa Olivares para Exit Express
29.11.2013 Vivir entre arte
20.12.13 Los grandes coleccionistas

Algunos ejemplos:
La Maison Rouge
10 Boulevard de la Bastille
75012 Paris (France)
http://www.lamaisonrouge.org/
“Une vision du monde
La collection vidéo d’Isabelle et Jean-Conrad Lemaître”
19 février-14 mai 2006

Museo Jeu de paume
http://www.jeudepaume.org/

Colección Patricia Phelps de Cisneros 1. La invención concreta
Colección Patricia Phelps de Cisneros 2. Movimiento y participación
http://www.museoreinasofia.es/
En www.artnexus.com/guia encontramos
Seminario Fundación Cisneros:
Promesas de lo público- autoría, derechos y acceso en el arte contemporáneo
Sala de Conciertos del Complejo Cultural Aula Magna
de la Universidad Central de Venezuela en Caracas.
www.coleccioncisneros.org/seminario
(La nota es una joya, de qué manera desde una colección privada se debate ‘lo público’.)

Referencias:
Grupo Escombros
Spencer Tunik

Otros artistas de la acción
Clemente Padin
Abbie Hoffman
Dante Vellioni

Antecentes:
Wolf Vostell

Para terminar les dejó la última columna del artículo de José Luis Pardo para Babélia El País 04.01.14: ¿Para qué sirve esta empresa? “Solo la filosofía, el arte, (la música) el cine o la literatura pueden llegar a compensar el empobrecimiento de la vida.”…”Lo nuestro fomenta el conflicto y el desacuerdo, alimenta la disconformidad y, encima, no da dinero”. Intenten leer todo el artículo, lo disfrutarán, el señor sabe mucho sobre ‘la cosa’.

“ No, queridos colegas —y lamento quitar el pan de la boca a unos cuantos subempleados del porvenir al destapar este escándalo—, lo nuestro no es socialmente útil, rentable o aprovechable, no contribuye como un bálsamo al funcionamiento de la sociedad con menos fricciones, no produce adaptación o conformismo sino todo lo contrario: fomenta el conflicto y el desacuerdo, alimenta la disconformidad y la inadaptación y, encima, no da dinero. ¿Cómo explicar, entonces, a quienes de buena fe se preguntan por ello, por qué sigue siendo necesario? Cuando Walter Benjamin estudió a Baudelaire —el hombre que inventó el oficio al que nos dedicamos quienes nos dedicamos a estas cosas: el de escritor (poeta, ensayista, crítico) moderno—, situó su perfil en el contexto del fenómeno que mejor define la vida contemporánea, el de un empobrecimiento de la experiencia, una nueva forma de pobreza que los antiguos no conocieron y que interrumpe la continuidad entre las generaciones del mismo modo que el filo de las agujas del reloj mecánico corta el tiempo en esos instantes inconexos y desleídos que trituran las biografías de los trabajadores industriales, más pobres cuanta más riqueza producen. Este es un régimen de vida que produce mucha más basura que ningún otro conocido, que se llena por todas partes de desechos, ruinas, desperdicios (esos mismos instantes dispersos que nacen ya obsoletos, que caducan en el mismo momento en el que nace el instante siguiente), harapos de humanidad ocultos en las montañas de porquería de los vertederos. El escritor o el pintor de la vida moderna es, en el retrato que Benjamin hace de Baudelaire, el que convierte en una profesión el rebuscar entre la basura hasta encontrar esos residuos de sensibilidad —y de entendimiento— que la sociedad ha ido desechando precisamente para funcionar mejor, para profundizar en el modo empobrecido de vivir en medio de la opulencia tecnológica. Al ponerlos a disposición de sus semejantes, el escritor no está contribuyendo al mejor funcionamiento social sino, al contrario, devolviendo a la vida esos pedruscos que obstaculizan el movimiento de la máquina. Pero esos hallazgos constituyen la única forma de riqueza (inaprovechable política, social o económicamente) que, como un anacrónico cuerno de la abundancia, puede compensar el empobrecimiento de la vida moderna y señalar un límite irrebasable a la lógica de la eficacia y la rentabilidad. Y es dudoso que podamos existir dignamente allí donde ese límite ha sido sobrepasado.”

http://blogs.elpais.com/tormenta-de-ideas/2014/01/para-que-sirve-esta-empresa.html

Nunca fue tan hermosa la basura
José Luis Pardo
http://www.basurama.org/b06_distorsiones_urbanas_pardo.htm

Alberto Caballero, enero 2014